脚本の構成の仕方について、知っていることをお教えします。

■物語とはエピソードのつながりを編集すること

「ス
トーリーをつくろう」と思うと、なかなか難しい。というのはストーリーは登場人物の数プラス登場人物同士の組み合わせ分必要だから。そもそもストーリーと
は一気に考えきるものではなく、断片的なエピソードの組み合わせなのです。つまり物語とは個々のエピソードの組み合わせを編集することにほかなりません。

エピソードは、「こんな人物がこんな風景の中にいたら面白そうだ」「こんなシチュエーションでこんな台詞を言わせてみたい」みたいなことでもけっこう。

それらを組み合わせて全体をつくるわけですが、その最も基本的な構成を以下に書いてみます。

■最も基本的な脚本の構成

・３幕構成（観客が流れを把握しやすい、また途中２回の暗転＝見ることから解放されて休憩できるから）

・人物数は４〜８人（少なすぎては展開しにくく、多すぎては使いにくいから）

・上演時間は１時間40分（小劇場のイスは観客が２時間座るにはつらい。目安として400字詰め原稿用紙１枚でほぼ１分）

■幕それぞれをさらに３分割

１幕　人物の紹介、問題の提起、その決定的転機

1-1：メイン人物の紹介。メイン人物は最初に登場する必要はないが、早めに出す。（例：探偵が警部を訪ねる）

1-2：問題の発生、あるいは観客への問題の告知（例：殺人事件の発生）

1-3：問題が収集できない状態までふくらむ（例；第２、第３の殺人の発生）

２幕　展開、逆転、さらに展開

2-1：問題解決への動き（例：容疑者の浮上、解決へ動き出す）

2-2：逆転。それまでの見え方が全て覆される（例：容疑者の殺害）

2-3：逆転を受けた動き（例：新しい捜査の出発）

３幕　展開のスピードアップとスペクタクル、カタルシス

3-1：動きの活発化（例：真犯人の浮上）

3-2：スペクタクル（例：真犯人に崖の上で追いつめられる）

3-3：カタルシス、沈静化（例：犯人逮捕、雪が舞う）

ピアノと踊りとの即時的パフォーマンスに対し、演出をすることになりました。ピアノは百瀬俊介氏、踊りは若松ゆきえさんです。

演出をするというのは間違いですね。
演劇ならともかく、それ以外の見せ物についてはほとんど知らないし、好みの範囲もかなり狭い私が、パフォーマンスの演出をしてはいけません。というのは演劇の演出は自分の感性のフィルターを通して観客に見せ物をつくる作業だと思うからです。

元々ピアノと踊りの二人はこれまでも自分たちでやってきたので、すでにある程度観客も実績もあります。だから本当は私が介在する必要はないのですが、「観客に見せる前に、客観的に見る人が欲しい」という意味で依頼されたのでした。

そうすると自分の仕事は演者の２人の演者と観客とをつなぐこと。それってコーディネイターみたいなもんです。（訪問者の目的が達成できるようにガイドする人ですね）

だったらもっと演者の魅力を引き出す仕掛けを考えて提案したいです。またそれで生まれるものを従来の２人のパフォーマンスに満足できなかった人や、その他の従来の舞台表現を面白く感じなかった人にも、楽しんでもらえるようにしたいところです。そういう役割の名前は何というのか知りません。興業自体に責任は持たないので、プロデューサーとも違います。
見る人のみたいものを想像し、それに合わせて素材を提供することを考えれば、編集者という方がいいのかもしれません。

これについては追々報告することになりそうです。またブログか何かを立ち上げて、互いの連絡と観客になる人たちへの経過報告をすることになると思います。

昨年来、依頼されていた脚本がようやくのこと完成しました。

依頼されて難しいのは、与えられた条件をクリアすることよりも、書き手としてのモチベーションをつくることにあるようです。
自分で上演するために書くのであれば、あるいは自分でテーマなり条件を設定するのであれば、それをどう実現するかと言うことで自然にモチベーションになるのですが、私の場合、今興味がある脚本は「単語が全くないか、数が少ない」のに成立する物語です。そんなものは演出まで自分でやるという条件じゃないと、依頼者に渡しても何も読み取れなくて使い物になりません。

だからせめて書く自分にとって新しい試みをする必要がありました。これがまた難しい。どんな試みがあったかは、下のリンクをクリックしてお読み下さい。脚本はプロットの段階から全てオープンになっているので、読むのも自由です。

そういえば今回の試みとして、この「作成過程をオープンにする」というのがあったのでした。やる前はその過程でコメントなりトラックバックでインスパイアされて脚本が変わっていきそうで楽しみだったのですが、実際は刺激的なコメントがあまりなくて、インスパイアされることはほとんどありませんでした。残念。しかしこういった試みは続けていこうと思っています。
→新作「三人男娼 – songs and flowers」はこちら

今、依頼された脚本を書いています。やはり難しい。
難しい要素はたくさんありますが、その最も大きなものとして、
「脚本はセリフではなく、情景を書くもの」なのに、情景は演出家によって全て変えられてしまうと言うことです。
脚本家の失敗の要素として、セリフだけで構成することがあげられます。セリフは舞台の一要素にもかかわらず、セリフを書いているとそれが別のセリフを呼び、いつの間にか生身の人間がたっていることを忘れたものになることがあります。少しくらいなら、それもよいでしょう。役者さんにとってもよい刺激になると思います。でもそれだけでは、脚本は成立しません。音符以外にも、楽譜にかかれる要素がたくさんあるのと一緒です。だから情景会ってこそのセリフで、あくまでせりふはト書きに従属するものと考えた方がよいでしょう。
でもねえ、指揮者の仕事が楽譜の再現ではないのと同じように、演出家の仕事は脚本の再現ではありません。だからいくら脚本家が「これはすごい、すてきな情景だ！」と思っても、演出家はその通りにはしません。
まだ僕の中でこのへんの問題は解決しないようです。
情景の書き込みと、セリフの書き込みにやや感じるむなしさをどう乗り越えるべきか、迷います。

今回は書き方ではないですが、いつも脚本を書く時に思っていることを少し。
脚本はそれ自体で「作品」ではなく、演出家や役者やスタッフのクリエイティビティを経て「演劇」になった時に初めて観客に評価される作品になると思っています。
ではそこで疑問に思うのが、脚本はなぜ脚本家一人が書かなくてはならないのか、ということです。
なぜ演出家や役者、スタッフとのミーティング、ブレインストーミングがないのでしょう。劇団の代表が演出家と脚本家を兼ねている（しかも時々役者まで兼ねている）家父長的団体であれば、脚本家の意見は絶対のものになるでしょう。しかし、観客の前に演出家も役者もスタッフも、そして脚本家も平等であるはずです。そして「演劇」という作品の出来について、関わる全員に責任があるはず。
ということは、脚本の作成過程から他の全員にも参加してもらうべきではないでしょうか。
船頭多くして、ということわざもあるので、あくまでコンセプトを主導するのは脚本家で、意見が割れた時にもストーリーのプロである脚本家の主張が尊重されるべきでしょう。
そんな風な演劇づくりがされることはないのでしょうか。
少しそれに近いものを狙って、現在執筆中の「ススキノ脚本」ではブログという形で全員の意見を出せるようにしたのですが、まだプロデューサーがこまめに意見を書いてくれるものの、演出家は１回だけで、後はまだありません。ぜひもっと活発な展開にしたいところです。が、上演が延期になってしまいました。
全員がはじめから参加すれば「書いたものが勝手に台詞を変えられている」という、脚本家をバカにした事態もなくなると思うのです。上演された舞台のおもしろさに責任を持つのは演出家ですが、かといって演出家だけでおもしろさを作っているわけではなく、役者、スタッフ、脚本家も含めてそれを担っています。意志を尊重しないで役者の演技を変える、一方的に台詞を変更するのは、やはり演出家は家父長的な存在だと考える人が多いからでしょうか。

よく誤解されていることですが、セリフは一見「人（役者）がしゃべる言葉」であるが故に、口語と思われています。
しかし古今東西の脚本を丹念に見ればわかることですが、セリフは口語ではありません。「〜ですわ」なんてのは、その典型で、そんな語尾でしゃべる人はほとんどいません。またセリフのように、日常で念入りに意味の込められた発言をする人なんていません。
つまりセリフとは、作者の主観記述とも違い、また日常で我々がしゃべる言葉とも異なる、第三の日本語といってよいと思います。そのことをセリフを書く時に強く意識する必要はありませんが、街中で採取した言葉こそがセリフだと勘違いすることだけはさけて欲しいところです。セリフとは「脚本」という表現形式の中だけで現れる１つの様式と思ってください。この様式を、それぞれの登場人物に応じて適度に当てはめることが必要です。
様式を無意識に用いすぎると、演劇になじみのない人には「くさい」「気色悪い」という演劇嫌いの要因にもなります。

昨日までに書いたように、物語はいくつかの軸が互いに関係し合うことで成立します。
でもどう考えてもそれらの関係がうまくいかない時があります。
そんなときにはやはり基本に戻って考えるべきです。が、その基本とはなんでしょうか。
いわゆる４コマ漫画でいう「起承転結」？　能でいう「序破急」？
でもそれってすごく頭で考えた理屈であり、すでにある物語を分析したものでしかありません。実際に物語を考える時には、そんな風には組み立てられないものです。なぜなら、強い風の合間合間に風景が見えるように、あなたの目には必要なシーンがいくつか見えているからです。
そんなときには、思い切って「ラストシーンを物語の中間に持ってくる」ことです。
ラストシーンはおそらくあなたのとっておきの風景に違いありません。しかしそれをあえて中間に持ってきます。
あなたはそこから新しい物語を、つまりラストシーンのその後、をつくらざるをえません。
どうです、新しいパラダイムが見えてきませんか？
大切なことは「これが大事」と思っていたものを、そうでなくする思い切りです。それによってあなた自身が思いもよらなかった物語を作ることができます。そのことがもっとも大事です。あなたがすでにわかっている物語なら、あなたの新しい可能性は開拓できません。脚本化は完成するまで誰のだめ出しも受けませんから、自分の可能性をつくるには、自分で今までの価値観を投げ捨てる思い切りが必要なのです。
当然、ラストシーンを中間に持ってくると、それまでに予定していたシーンを短くしたり、あるいは削除することが必要になります。それによっても、当初想定していたのと異なる物語を作るきっかけが生まれます。
さあ、思い切ってラストシーンを中間に。
誰もが当たり前と思っていたことを覆すくらいの転換が必要です。例えば痴呆症の夫と彼を介護する妻がいたとしましょう。半分くらいのところで、実は痴呆症は妻で、夫は自分が痴呆のふりをすることで妻を介護していた、と判明させてはどうでしょう。すると、そこから先の展開がすごく楽しみになりますよね。